在生活角度上，所做的決定、接觸到的事物或者是購買的單品均是與潮流環環相扣，如僅將其體現於衣著上未免太過狹隘，如今渡到千禧時期，我們都在嘗試面對新的現實，即是：「藝術更新」。一些佔遍居家各角的資產被視為「另類投資」，並且帶有顛覆古老技法的新美學，和對社會批判等發人省思的文化主義，無疑能從中知曉新式資產類別的獨特之處。而接下來，我們便帶來足夠撼動青年文化的三位先鋒，並將「內容纖維化」於藝術內容層面。
村上隆
這位日本美術家因 “Superflat”（超扁平藝術）而聞名，該理論結合了日本動漫和漫畫中的圖案，以及 Street Fashion 和 Hi-Fashoin 屬性，使其成為 Kanye West、Pharrell Williams、Virgil Abloh 等世界頂流創意家的理想合作對象。關於村上隆（Murakami Takashi）的起始，1962 年出生於東京，就讀於東京藝術大學，是日本動畫和漫畫的粉絲，並且希望成為一名動畫師。而過程中，他學習了不少日本傳統藝術手法和技巧，甚至獲得了 Nihong 膠彩畫博士學位，但因日本藝術背後隱藏的「權力鬥爭」導致幻滅後，便開始探索現代風格。
↑ Murakami Takashi
文章開篇可先回溯至 2007 年，還記得 New York Time 刊登了關於他在高古軒畫廊展覽的藝術型態表示：「Tranquility of the Heart Torment of the Flesh – Open Wide the eye of the heart, and Nothing is Invisible」並在標題中以「The Warhol of Japan」形容這位藝術家。這是一個舉足輕重的比喻，對被譽「平成時代最偉大藝術家」村上隆來說也絕對合適。以自身對美學的敏感度，通過對戰後日本藝術世界的想像來構建作品方向，以及利用日本當代圖形藝術和動畫來進行詮釋批判，進而顛覆整個行業的墨守成規。
↑ 高古軒畫廊對村上隆的簡介陳述
2000 年，他創造了 “Superflat” 單詞，來總結當年在洛杉磯當代藝術博物館展覽，這意為「超扁平」的概念，是他在日本將各種形式的圖形設計、流行文化「結合壓縮」的美術宣言，2001 年 Hunter Drohojowska Philp 藝術網亦寫道：「他的宣言體現了日本平面設計、流行文化和美術扁平化，以及其消費文化的淺薄空虛」。
村上隆策略背後的光輝之處在於對日本藝術封閉的狀況下，積極尋求在海外曝光名聲，然後再利用它來提升自己在日本的地位。經過多年的藝術研究，他發現動漫和漫畫的呈現均具有「強烈符號學魅力」，這在狂熱愛好者得心目中占有無法比擬的份量。 因此他認為，如果能明顯地將這文化做為藝術載體傳遞到國外，那麼在一個原本不那麼孤立的日本市場中，樹立自己的地位就容易許多。「起初，我注意到藝術界對圖標的重視度，而我也需要在作品中讓某些東西更有聚焦點，我認為這將有助於確立自己藝術家身份。」－村上隆言道
↑ Suerflat
舉凡是村上隆「超扁平理論」早期例子：Smiling Flowers（太陽花）、聯想起米老鼠形象的 Mr. DOB、大胸金髮女郎 Miss Ko2、在最大程度減少身體特徵「Superdeformed」風格的 Kaikai Kiki 等，除了創造這些令人難忘的虛擬話語人物，村上隆還透過推銷自己的作品進一步推廣「超扁平化」美學。因為它不僅僅只是一件藝術品，更像日本扭蛋機轉出來的物件，亦或是隨手可得的毛絨玩具般，親民地伴隨於眾人身旁。
↑ Mr. DOB 圖一 , Miss Ko2 圖二 , Kaikai Kiki 圖三
2003 年，Louis Vuitton 創意總監 Marc Jacobs（現任創意總監 Virgil Abloh）邀請村上隆為其老牌時裝屋注入活力，以各種手袋和皮革配件為主重新詮釋，該夥伴關係持續了 13 年。而合作過程時，村上隆更有幸遇見 Kanye West 和 Virgil Abloh，因緣際會下，村上隆為 Kanye West 2007 年專輯《Graduation》設計封面，這一作品，其具有綜合多種流行文化影響力而受到青睞，故而鞏固了這位 Rapper 作為現代文化先鋒的地位，某種程度上，它是對村上隆「超扁平哲學」於市場上的完美補充。「大約 8 年前，我遇到了村上隆，當時他擔任藝術學校的指導老師，我很有幸的去他個人工作室到處看看，而在合作之時我早就很喜歡他的作品，從那時起，我便想了解他的創造思維，甚至我還買了他跟 Louis Vuitton 聯名的包袋。」－Kanye West 言道。
↑ Kanye West x Murakami Takashi《Graduation》
↑ Kanye West Took Louis Vuttion x Murakami Takashi
與 Kanye West 合作之後，村上隆散播超扁平哲學的力度也越來越廣泛，後續 2009 年更與 Pharrell Williams 合作，於邁阿密巴塞爾藝術展上展出雕塑，作品名為”Simple Things”。在超現實經典 Mr. DOB 雌牙裂嘴形象，讓人聯想到 Super Mario 遊戲中尖齒食人魚植物之中，嘴中擺著 Pepsi 可樂、紙杯蛋糕、嬰兒乳液、Heinz 番茄醬、Doritos 薯片、Trojan Magnum 避孕套、Billionaire Boys Club 的球鞋，更由珠寶商 Jacob＆Co. 在內部鑲崁了 26,000 顆鑽石。「我希望人們看到簡單的事物與美國文化的一些價值」－Pharrell Williams 言道。立見關係促成而後，村上隆便於 2017 年再次和這位跨足多元領域地音樂家合作，以 Billionaire Boys Club 名義發布「Ensō」膠囊系列，傳遞更多美學思維價值。
↑《The Simple Things》
Billionaire Boys Club x Murakami Takashi「Ensō」
不過要說村上隆「最主流的合作」是在 2015 年，當時他受到經典滑板品牌 Vans 力邀設計聯名系列，將標誌性花朵、頭骨等圖案對滑板文化傾注精神，兩者間的合作似乎很快便敲定，因為村上隆本身就對品牌十分死忠有 150 多雙 Vans 鞋履。「進行合作的優點是，它可以讓你找到自己工作潛能的新領域，我想為Vans 設計圖案，為粉絲帶來更多樂趣，如果鞋子可以幫助他們重塑童年的價值觀，將其重新融入生活，那將是一件好事」－村上隆言道
↑ Vans x Murakami
另外 2018 年也對村上隆是重要的一年，他與 Virgil Abloh 共辦位在倫敦高古軒的「Future History」藝術展覽，該項目主要目的是進一步證明村上隆對「文化扁平化的論點」，更直接地灌輸表達形式的觀念。這一點，與 Virgil Abloh 在全球平台試圖提昇街頭文化的聲譽相吻合，也對應了 OFF-White x 村上隆兩者融合之處。後來，村上隆還與日本服裝零售商 Uniqlo 合作，推出一系列聯名《哆啦A夢》毛絨玩具和 T-Shirt，再攜手原單位邀來 Billie Eilish 三方聯名，甚再與 Kanye west、Kid Cudi 打造《Kids See Ghosts》同名動畫。
↑ Future History
↑ Uniqlo x Murakami Takashi x《哆啦A夢》
↑ Billie Eilish x Murakami Takashi x Uniqlo
村上隆一直以來都致力於藝術與商業之間的平衡，但他的許多新項目似乎僅重申探討「淺層消費文化的理論」。同時，雖村上隆在「限量街頭服飾世界」中的地位已更根深蒂固，可對這種消費型態相比其動漫美學地堅定程度，也讓我們深思精英藝術行業上的共同點，反映出要像村上隆那般具歡樂的表現亦絕對少有。
KAWS
1974 年出生於美國新澤西市那嬉皮狂野世代的 Brian Donnelly，是目前廣為人知的「KAWS」，是顛覆 90 年代廣告牌和電話亭等商業表現地紐約塗鴉藝術家。他的角色如 Companions、Chum、Accomplice 和 Bendy 最初是 2D 繪製，後來轉為 3D 呈現，儘管有些虛擬 語境人物來自現有圖像翻新，可大部分還是他自己的創作。在 KAWS 樹立名聲已將作品達到在全球多個美術館和博物館中展出的目標前，2006年，他與日本玩具公司 Medicom Toy 合作創立服裝系列 Original Fake，為他的工作提供了另一個平台，歷經階段性藝術服飾傳播於 2013 年關閉。KAWS 在接下來也觸及了流行文化的各個方面，從限量版 Hennessy 干邑白蘭地空瓶到 Kiehl’s 化妝品包裝等，甚至為街頭文化中受讚譽的藝術家們設計了香水瓶，他的職業生涯亦證明了香水瓶滲透到美術界和主流市場的深度。
↑ KAWS
↑ Companions 圖一、Chum 圖二、Accomplice 圖三、Bendy 圖四
↑ Original Fake 2013 年關閉
↑ KAWS x Hennessy 圖一、KAWS x Kiehl’s 圖二
KAWS 在過去不斷實踐自我獨特美學，長期以來沉浸在流行文化當中，致力於通過塗鴉在紐約街道上創作，接著又透過繪畫、壁畫、大型雕塑和圖形產品設計來顛覆傳統。另外，他的混合卡通人物，經常在他的作品中反覆出現，亦並向我們揭示了當代世界的人類狀況。
像他所創造出來的 Internet stars，正述說人類在經歷的遍地要角留下痕跡，固然是組成人類文明基本要件。但反覆深思，它呼應了一個人的感覺，正確來講是真實，也是結果性。透過「標記」來塑造物理或虛擬環境，再者打斷難以理解的社會結構，對我們任何人來說都是有意義的媒介，尤其對於那些感到無能為力，無方向性，孤立無助或處世在外的人來說，是一種管道。而過去二十五年中，KAWS 因迅速發展地廣泛影響力，使其相關藝術事業不斷推波助瀾，毫無疑問，這使他踏上了「塗鴉藝術家」的旅程，像他在涉足大眾媒體散佈作品和解釋大眾文化的各種人物，有助於鞏固地位和維繫潮流用戶的關係。
↑ 1990s KAWS New York worked
1980 年代，地鐵塗鴉風行各地，透過文化層面地交流，他在大約十二歲時開始從事塗鴉工作，他的個人標籤在他的城市社區中普遍流行，其中一些也仍然保留到今天，像是 Google Map 地圖街景視圖中便可找尋。（讀者們可以去搜尋 13 號大街和蒙茅斯大街的拐角處，一個相對簡陋的純白色字母就是。）到 1980 年代後期，滑板運動傳播至紐約（特別是曼哈頓下城），更隨之擴大 KAWS 的獨創性，讓一群具有相似興趣的孩童在街頭溜滑，這樣地生活文化渲染也開拓了他對於審美地想像空間。正如他在一次採訪中所描述「從 1996 年起，藝術品遭到大幅清洗，不僅是曼哈頓地區，SOHO 也難以倖免。但我對拼接繪畫和大牆作畫很感興趣，當我做完第一件作品後，我立刻就迷上了！所以我盡可能地開始反覆繪畫，直到今天。」－KAWS 言道
↑ 13 號大街和蒙茅斯大街的拐角處（讀者們可自尋搜索）
在更大的區域上進行巨幅畫作，毋庸置疑能助於 KAWS 在塗鴉界地位的聲量，且於這個時期也是互聯網路興起，在我們喜歡使用高速和視覺豐富的網絡之前，KAWS 和其他塗鴉藝術家喜歡通過 6×4 英吋彩色照片留下紀錄（整理完作品後立即拍攝）。很快進入 1990 年代初期，他終於在塗鴉領域中獲得一定的認可， 便開始把「KAWS」當作假名和作品的主題（所有重要作品都是使用這些字母並以此名稱製作），嘗試給 IP 們一個強有力的名字，即「K」的刺耳程度，其後是引人注目的「AWS」字體。有趣的是，書寫起來時看起來很正式，可當前三個字母的角度加在一起，再加上 S 的流動曲線，簡單卻又提供了視覺上的複雜性。
無疑，KAWS 為人們提供了品味和探索美學關係的機會，並且常常在多個合作中不斷發展它們，這也可從字母 “A” 的形狀一致性看出，儘管字母之間的相互關係很複雜，但簡化來說，這部分表明 KAWS 衷於自我，並經過努力受到群眾欣賞。「首先，我選擇讓字母彼此保持平衡，但是後來我意識到，通過這個名字便能使人們形成是誰在標記作品中的意見。」－KAWS 言道
↑ KAWS Logo
像是這裡有幾個例子，有時他會採取簡化地形式，使用直線性構圖去介紹主題傳播精神底蘊，比如 1995 年 KAWS 在大型貨運火車頭，使用五星傾注於字母形式之間，表現出了很好的色彩層次同時亦呼應到主題裝飾。另外，還有許多作品帶有字母縮寫詞，例如 “DF” 、”FC” 字樣，它們主要被添加到作品的邊緣處，用來以表示這些作品是來自藝術家的個人語言。
↑ KAWS 1995 New Jersey overleaf
經過上述簡介，可以深思「聯名」雖是焦點但並非是藝術家們最有成就的作品，充其量僅是維持自己散播理念地錢脈支柱。像如你有細閱過這位藝術家的文檔，也許讓他最有感觸的創作並非我們看見的聯乘，好比說或許是在大型超市旁邊的牆面擺放的 KAWS 月亮越野車，繪畫出比其餘作品更為醒目地特徵，並沿用外太空主題與之配合，擴展三維度審美範圍從而在穿越景觀時為地面提供了進一步的維度，展現其豐富獨特的想像力等（如無有這些元素，整個作品的顯眼率將大大降低，因為其他字母表現出一定的複雜程度，無法徹底述說 KAWS 美學上的視覺張力）。
↑ 1994 Psycho west tomtem dash dontay and KAWS
Daniel Arsham
千禧年間，很多人會知道 Daniel Arsham，基礎上都來自於 INNERSECT 潮流盛會，或受 Kim Jones 邀請推介他未來主義的「Future Relic」時光膠囊美感才有更進一步認識，不過這些終究是他在網路時代的「起頭詩」。事實上，Daniel Arsham 早在成名前便知曉「藝術」不能僅限單一媒介，透過實驗性解構以及對歷史探究的智慧，於日常中不斷挖掘如何將「簡單卻又自相矛盾的」形式來「破壞」原本規矩地美學體系。比如是用沙子、亞硒酸鹽、石英晶體、火山灰再塑當代文物回顧曆史，將過去事物進行平衡現代與未來，亦或把灰燼與黃鐵礦腐蝕的元素用做文化創新力量，轉化物體表現挖掘文物造成的輪廓破壞，創作毀滅性自然災害的見證者，徘迴虛實間的審美總是引人入勝，都好像是「Back To The Past」一督現在和未來兩者地共存。
↑ Daniel Arsham
1980 年 Daniel Arsham 出生俄亥俄州克利夫蘭，隨後便搬到佛羅里達州，不料，當安德魯颶風一掃而過時差點讓這位藝術家殞落人間，而正當颱風將其吞噬殆盡之時，他也得以窺見建築物裡的內容物，使得藝術家 DNA 故而被激發。所以說這樣的重創經歷，我們可以想像這是使他成為「當今最重要的藝術家之一」奇蹟福種？而在期間，Daniel Arsham 亦不斷探究空間下的組合視角，並嘗試讓固有物件消失並彎曲成其他物體或成為自然結構，因對他而言「建築、空間」對居於內部的我們感受關係相連卻又細微，但若困惑的變化可能會破壞結構精度整體脈絡環環相扣。這就是我們閱過其作品時，便能感受到一種內心層面的「無方向感」。
足以舉例的作品就有許多，像是 2013 年與 Pharrell Williams 合作開發的 Casio MT-500 鍵盤，以火山灰，水晶和鋼鐵做基材製成的侵蝕鑄件，強調挖掘近代退化物體回顧反烏托邦時代人類命運；2008 年與合夥人 Alex Mustonen 成立 Snarkitecture 工作室，將雕塑和建築兩者共為一體尋找顛覆傳統設計的方法，把日常物料重新製作將數以百計的 Air Jordan 1 懸掛 KITH 紐約旗艦店；攜手 Pokémon 以及 UNIQLO UT 推出三方聯乘服飾，將古老遺跡風格的歷史植入生命價值；後續再進以經典精靈 Pikachu 為題，賦予「近一千年後被發現的關東歷史遺物」表示就算經年累月地被侵蝕，事實存在過的藝術性卻永不消逝穿梭過去，現在和未來。（還有腐蝕版 Hourglass 雕塑，DeLorean DMC-12 etc…）
↑ Casio MT-500
↑ Hourglass
↑ DeLorean DMC-12
↑ Daniel Arsham made Snarkitecture room
誠如 Daniel Arsham 所言「未來古物是種實驗，是一種思考我該如何製作自身藝術的方式，多年來，我一直在進行作品複製工作，彷彿在未來的考古遺址中發現了他們，這些物體會造成時間中斷，並將我們帶入時而擴大或時而收縮地時間範疇。」
另外還有不少人納悶，為什麼他的作品總是單一色彩毫無生機？其中原因來自 Daniel Arsham「天生色盲」，可也並不意味著他完全看不到顏色，還是能眼見正常人可以分辨的大約 20％ 的顏色和陰影，這便是他對工作大部分僅採用白色或灰色的主因。不過在 2015 年時，觀看生活藝術媒體 Semaine 頻道，Daniel Arsham 亦收到一副矯正他色盲現象的特殊眼鏡，自那時開始他就開始使用色彩融於作品。（這副眼鏡並非是真正治癒其疾病，只是輔助讓眼睛對作品做出更多閱讀）。
以上三位均是目前影響甚至該說是主導設計、時尚趨勢的藝術家，從村上隆的「Suerflat」將各種形式的圖形設計、流行文化「結合壓縮」，或是 KAWS 通過 Companions，Chum、Accomplice、Bendy 等角色觸及流行文化，透過「標記」來塑造情境，打斷難以理解的社會結構揭示當代世界的人類狀況，還是 Daniel Arsham 探索空間反映人類本質對「過去和未來的矛盾衝突」等脈絡，試圖捕捉移動間的短暫性。時尚界之所以找上他們似乎有脈絡可循，雖然一方面不脫離市場導向，想將自身與藝術族群間併攏拉近距離，但這些高度流行文化與亞文化間的結合，其實也正確立品牌情感價值和消費者與他們之間所重視的聯繫。同時我們也該明白的是，聯名固然是吸引購買產品的主因之一，可買入著用後，是否更進一步從中獲得了什麼？
最後相關上述三位的作品，均曾在提供全新藝術交易型態 Artzdeal 藝術平台，不久前舉辦地《Now & Future 當代潮流藝術收藏展》展出，還加入 Madsaki、Matt Gaondek、James Jean、Peter Doig、Jasper Johns、Ron English、Feng Zheng-Jie、Andre Saraiva、Hernan Bas、Koh Sang Woo、Emre Namyeter、Tony Toscani、Edgar Plans、Tai-Jen Peng、Colasa（林軒毅）、Sung Nak Hee、Park Ji Eun（朴知恩）、David Jamin、Mr Clement、Felix 等新、舊藝術家的大量藏品。誠如文章開篇所述，他們也均自帶顛覆古老技法的新美學，和對社會批判等發人省思的文化主義，相信看過的流行藏家們，也能從這些藝術家的作品中獲得想法。
他們的作品每個環節均是「潮流」，不僅帶來較為深度的審美思維，也在渡到千禧時期間，告訴我們必須嘗試面對新的現實，即是：「藝術更新」。畢竟相較過去的流行時空，對於早一輩的人來說，收藏名師創作的瓷器與古董字畫，那些盡能體現手造美感和反應歷史蹤跡，亦或摻雜政治型態的作品蘊含著深切意義，但目前這些「新興的美學型態」也如同過去，成功佔據收藏視野被視為「另類投資」。以下帶來《Now & Future 當代潮流藝術收藏展》展覽回顧，感興趣的朋友，不妨點選以下連結了解更多相關資訊，並且 Follow Artzdeal 藝術平台：
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↑ Artzdeal《Now & Future 當代潮流藝術收藏展》
